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Rashomon

Mon, 01 Sep 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Javier Moreno

Desde hace tiempo adquiero y descarto pasados a voluntad. Por eso confiar en mi memoria es equivalente a confiar en mi habilidad -variable- para fabular. En la práctica, recuerdo -o he vivido- lo que quiero recordar y como quiero recordarlo. En ocasiones es confuso, en otras no tanto. Hay días cuando incluso se siente correcto. No sé si me hago entender.

◊◊◊

Hace tres días ocurrió un asesinato. Fue horrible. Yo lo vi. Encontré al muerto entre unos matorrales, atravesado por una daga o un sable. Caminaba por el bosque y accidentalmente lo encontré. Hedía.

¿Una daga o un sable?

Un sable, sí. O dos. Decapitado y empalado, pudo ser. Sin piernas. Con largos cortes transversales en el pecho, abiertos para siempre. Con las manos engarrotadas sosteniendo el aire, anclándose al aire para no irse -no todavía-, así lo encontré, y luego corrí donde el comisario y le conté todo lo que sabía, excepto eso que no debía contarle, claro está.

No me juzgue. Tengo mis razones. No quería meterme en problemas.

◊◊◊

Ocurrió un asesinato y yo soy la víctima, el asesino, la culpable, y el testigo secreto que todo lo niega. Soy el reconstructor de realidades en palabras, el que decide lo que fue. Soy también el que escucha el recuento y quien lo sufre, el monje que no lo entiende, el que en la confusión ve la humanidad cayendo al vacío y llora desconsolado por la muerte de su fe en las historias de los hombres.

Y es que todos mienten. Es instintivo. No tienen opción. ¡La verdad es tan elusiva!

◊◊◊

En otro orden de ideas, la mentira y la verdad son relativos al observador. Mentir no es contar algo que no ocurrió sino contar algo que no ocurrió a sabiendas de que no fue así. Y este a sabiendas tiene su truco. La información se pierde. La información se transforma. El proceso de asimilación de vivencias, aunque aparentemente instantaneo, es susceptible a interferencias. Vemos lo que queremos ver y contamos lo que vemos. Mi verdad es su mentira y viceversa, no hay contradicción. El universo a veces es así de hermoso.

◊◊◊

A todas estas:¿Cruje un árbol al caer en un bosque deshabitado?

¿Y si hay cinco hombres en el bosque y el árbol cae sobre la cabeza del más joven aplastándolo, cruje para todos por igual?

¿De cuántas maneras cruje el árbol al caer?

¿Dirá el muerto que crujió de la manera justa?

¿Qué más diría el muerto de poder hablar?

Lars y una chica de verdad

Sun, 31 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * ½)

Hagan el ejercicio. Siéntense mirando hacia la pared más cercana, y digan en voz alta: ¿Y si hiciéramos una película sobre un tipo que se enamora, pero se enamora de verdad, de una muñeca de plástico, como las que usan los pervertidos? Es probable que al imaginarse esa historia, uno piense en una sátira vulgar, llena de personajes tontos, como Beavis and Butt-head o en otro tipo de comedia, ágil y repleta de humor sexual, como las que crea últimamente Judd Apatow (Virgen a los 40, Ligeramente embarazada). Porque claro, uno supone que con esa idea como premisa fundamental no hay manera de hacer una película “seria”. Pero, por fortuna, “Lars and the real girl” de Craig Gillespie, demuestra, con calma y sinceridad, que no importa lo extraña que suene una idea, siempre podrá hacerse buen cine con ella si alguien se lo propone (¿o no, señor Burton?)

Lo que usted dijo en voz alta es exactamente lo que pasa en esta película. Lars, un tipo tímido y buena gente aunque muy poco sociable, descubre en internet unas muñecas de plástico que son “como mujeres de verdad”. Y aunque el anuncio que anima a su compañero de oficina, fanático del porno, se refiere a que las muñecas cumplen con los requisitos anatómicos necesarios para satisfacer a un hombre, a Lars le anima la idea de tener al lado una “mujer real” que no se le acerque, que no lo critique, y que no lo toque. Porque Lars no soporta el contacto físico y se le hace muy difícil el trato social. Tanto que prefiere vivir en el garaje de la casa que comparte con su hermano Gus y con Karin, la esposa de éste, en lugar de ocupar una de las habitaciones. Tanto que por las noches, luego del trabajo, baja las persianas de su garaje que dan a la calle y se encierra a dormir sentado, como si estuviera montando guardia.

Pero un día, Bianca entra en su vida... empacada en una caja. Entra a la vida de Lars y a la de su familia, pues animado por su compañía, éste acepta por fin la invitación que tantas veces le ha rechazado a su cuñada (quien siempre le ha parecido un poco extraña por esa necesidad de abrazar a la gente), para ir a comer en la casa principal con su familia. Y Bianca empieza a generar reacciones. Gus, el hermano mayor que nunca ha sabido cómo tratar a Lars, se desespera: su hermano está loco; Karin, la esposa de éste, mira el problema con temor y prevención, pero entiende que si Bianca ha hecho que su cuñado se acerque a quienes lo rodean, el asunto no puede ser tan malo; el resto del pueblo, prevenidos del extraño comportamiento por Dagmar, la sicóloga del lugar (una Patricia Clarkson, como siempre impecable en su actuación) y preocupados por ese joven amable y raro, acepta tratar a Bianca como si fuera un ser humano real, como si esa historia que inventa Lars sin inmutarse, en la que Bianca es una misionera de sangre danesa y brasilera, que ha quedado parapléjica, que habla en voz muy baja (tan baja que sólo Lars la puede oír) y come muy poco, fuera cierta.

Ahora Lars luce feliz, con una sonrisa permanente en el rostro, que no puede borrar ni siquiera su hermano, recordándole que esa mujer a la que transportan a todas partes en una silla de ruedas, no es real. Pero como dice la sicóloga: ella SÍ es real, todos la pueden tocar y está en la ciudad por alguna razón. De repente Bianca tiene vida propia: va a su terapia de salud para curarse de la enfermedad tropical que le afecta (terapia ficticia que aprovecha la sicóloga para entender un poco mejor lo que le pasa a Lars), la recogen las vecinas para que esté con las demás mujeres en el salón de belleza, les lee cuentos a los niños en el colegio y es elegida para la junta escolar. Es como si a todos les hubiera faltado algo que Bianca tiene. Tal vez el silencio. Tal vez que es capaz de escuchar sin réplica.

Como Bianca ahora es parte importante de la comunidad, Lars puede por fin acercarse a las personas sin sentirse intimidado, por fin puede preguntarle a su hermano mayor por el sexo, ese eterno misterio del que no sabe mucho y hasta interesarse en Margo, su bonita y agradable compañera de oficina. Está, de repente, dejando de ser un niño atrapado en el cuerpo de un adulto. Ahora el destino de Bianca está en su cerebro, pues sí él la creo es también el único que puede decidir qué hacer con su vida, aunque eso implique otro ejercicio extraño de su imaginación: una enfermedad, una agonía en el hospital, un entierro.

Es fácil entender que el mayor peso dramático de esta historia recaía en el actor que encarnara a Lars. Era importante que fuera un personaje capaz de generar ternura pero que no pareciera un tonto, porque un tonto no sería capaz de sostener una fantasía como la que él tiene. Alguien que combinara tristeza y optimismo por partes iguales; que nos generara compasión pero no lástima. Por fortuna, Ryan Gosling, uno de los mejores actores jóvenes de Hollywood, candidato al Oscar en 2007 por su trabajo en Half Nelson, crea un gran personaje, que se mueve en el tono justo que necesitaba Lars and the real girl, este drama que hace reír, un matiz que lo diferencia de una comedia tradicional: aquí no hay chistes premeditados, hay situaciones que todos se toman muy en serio y que son tan patéticas que crean el humor: como cuando las vecinas deciden cortarle el pelo a Bianca y una le recuerda a la otra que debe tener mucho cuidado, porque ese pelo no va a crecer nunca más.

El resto del reparto, especialmente la parte femenina, Patricia Clarkson, Emily Mortimer (la cuñada) y Kelli Garner (Margo, la compañera de Lars) están a la altura de Gosling, creando una atmósfera tan real que jamás ponemos en duda la credibilidad de la película. Además, la melancolía que intencionalmente le pone el director a todas las situaciones hace pensar en esta historia como una metáfora de la sociedad actual: incapaces de enfrentar los riesgos de relaciones y actividades reales, preferimos crear avatares en Second Life y personalidades falsamente alegres en Facebook para creernos también nuestra propia fantasía feliz. El problema es que al final, como Lars, sólo tenemos dos opciones: seguir con la mentira y habitar nuestra burbuja perfecta; o comprender que no hay vida sin riesgo.

El caballero de la noche

Sat, 30 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Javier Moreno

The Dark Knight es divertida como es divertida Vengador Anónimo o incluso más, porque el finado Ledger -que aparentemente era un tipo genial cuando no estaba aturdido por los menjurje químicos que le gustaba tomar- es siempre preferible a Charles Bronson y su bigote impresentable. Por lo demás es una película horrorosa.

Es horrorosa porque es panfletaria y su aparato de simbologías es tan obvio, repetitivo y vulgar que resulta descortés. Pero también es horrorosa porque bajo el discurso político superficial que intenta trazar burdas similaridades con la historia norteramericana reciente subyace uno tal vez no intencional que nos dice que Batman, el superhéroe fascista por excelencia, alguna vez tuvo la razón, alguna vez hizo lo que debía hacerse, y es sólo ahora, secuestrando y torturando impunemente "forzado por las circunstancias" y en connivencia abierta con la policía, cuando comete un error. Gordon, eso sí, nunca deja de ser un santo, y el hijo de Gordon admira a los dos supuestos héroes por igual.

Yo creo que el mayor error de The Dark Knight es la pretención de los hermanos Nolan de tomársela en serio y que nosotros también nos tomemos en serio su ingenua (y maniquea) percepción política, porque una vez todos nos tenemos que poner tan serios (¿por qué tan serios?) entonces hay que leer las películas como ensayos y buscar referencias para contrastar y así terminar constatando que (1) los Nolan son unos analistas flojísimos y (2) el compromiso político aturde al arte y lo fuerza a ser lo que nunca debería ser: manipulación ideológica, ejemplos tramposos, ceños fruncidos, reiteraciones innecesarias y pedagogía de pacotilla. Para eso mejor leo la prensa nacional, que tiene más muertos y menos golpes impostados de fe en la humanidad.

Sex and the City

Thu, 28 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Marisela Quiroz Diaz

(* * * ½)

Sé que a muchas personas no les gusta Sex and the city porque opinan que es exagerada, superficial, irreal y sonsa. Bueno, primero: es una serie de televisión y de alguna forma es la caricaturización de algo (no logro pensar en una serie o película que sea “normalmente” dramática, romántica o chistosa), en este caso es de lo que hablan y hacen las mujeres y quisiera saber qué mujer no habla de sexo, sus relaciones y/o de sus parejas, posibles parejas, posibles amantes, ex novios, ex polvos, etc. diariamente. Segundo, los zapatos, el glamour y todo el fashion es la escenografía. Se debe poder ver más allá y darse cuenta de las historias que están enmarcadas en ella. Tercero, es muy posible que la película tenga mucho más sentido e impacto para aquellos/as que como yo, seguimos la serie desde sus principios, es decir, que puede que mucha gente –en especial sus críticos- no entiendan ni aprecien la película.

Dicho esto, les cuento que cuando ví la película lloré como si fuera un drama francés de la Segunda Guerra Mundial. Salí con los ojos hinchados. Y fue porque la película y la serie de Sex and the city toca unos temas que para mí son muy personales, íntimos, cotidianos y tantas veces complicados: la amistad y el amor (en la película no hay tanto sexo ni se habla de él como en la serie). Acepto que también creo que exageraron un poco con el asunto de la fascinación por la moda, etc. pero también entiendo que eso hace parte de la identidad del programa y por ende en la película se debe o se quiso hacer aún más explícito. Pero en sí, es sobre estas cuatro mujeres que han sido amigas por más de diez años, están ahora a las puertas de los cincuenta y se siguen enfrentando a las mismas preguntas: ¿qué necesitan para ser felices? y ¿cómo lograrlo?. Son personajes que a pesar de haber encontrado una pareja luego de mil capítulos y mil polvos, aún no pueden cantar victoria. Todavía les rompen el corazón, todavía tienen miedo y todavía sus vidas están cambiando, pero asimismo todavía tienen a sus amigas. Así que es por eso que lloré como una magdalena: porque detrás de todo, se trata de cómo en los peores momentos, en especial en las cosas del amor, los amigos/as son el único apoyo y salvamento y de cómo –citando algo que dijo la actriz que interpreta Samantha, Kim Cattrall- “los hombres vienen y van, pero las mujeres permanecen”.

Zohan: Licencia para peinar

Mon, 25 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Pablo Muñoz

(* * ½)

Hay que buscar el germen de esta Zohan no en el éxito de la afilada sátira de Borat, sino en el principio mismo de Knocked Up (2007) en el que su protagonista define al protagonista de Munich (2005) como un superjudío. No resulta para nada casual que sea el director de Knocked Up, Judd Apatow, el guionista de You don’t mess with the Zohan una resurrección del Adam Sandler de Happy Gilmore o The Wedding Singer.

Llena de gags memorables (¡el contestador de Hezbolah!) y un catálogo de chistes sobre pollas tan extenso como progresivamente soez, la película es una catártica y hasta bella comedia que, teniendo una cierta sintonía con los Farrelly y con el Capra al que Sandler rindió tributo en Mr. Deeds, demuestra que cualquier chiste puede ser el mejor vehículo para la convivencia. Aquí se va un paso más allá: lo guarro puede fagocitar una historia bonita con una facilidad asombrosa. La ternura con la que la love story entre Zohan y una peluquera palestina llamada Dalia se desarrolla nunca tiene ningún tipo de problemas con los obligatorios chistes a costa de la cultura pop, esta vez con Mariah Carey y John McEnroe como estrellas de la función.

Ex Drummer

Tue, 19 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* )

Una de las tendencias contemporáneas tanto en la comida para niños como en sus juguetes, son los productos “cochinos”. Parece que a los seres humanos en formación le gusta todo lo que a un adulto le puede resultar asqueroso, y por eso les hacen comprar a sus papás las muñecas que realmente vomitan o menstrúan o defecan y comer los gusanos de goma dulce que se espichan y huelen a pantano o untarse el famoso gel para el pelo que se enorgullece de ser “moco de gorila”. No hay que temerle a la tendencia, simplemente entenderla: nos gusta probar un poco lo que nos causa repulsión porque al hacerlo nos creemos más valientes y audaces. Por desgracia, la misma tendencia se reproduce en todas partes y, por supuesto, también ha llegado al cine. Cada vez hay más películas que sienten la irreprimible necesidad de provocar asco a como dé lugar, con la creencia equivocada de que necesitan que el estómago de sus audiencias se constriña para ser recordados por la audiencia saturada de imágenes que visita youtube todos los días; lo que no está mal cuando hay algún tipo de justificación: si es una película de terror gore no hay más remedio, si estamos denunciando alguna atrocidad, mostrar las cosas terribles tal y cómo son es una buena manera de conmocionar con el mensaje, si Tarantino quiere parodiar las películas orientales de artes marciales o las cintas de acción serie B, aplaudamos los chorros de sangre, los personajes que le escupen a la cámara, los miembros amputados, los pies que aplastan ojos en el piso.

Pero cuando una película como la belga Ex Drummer de Koen Mortier quiere hacernos creer que detrás de sus vísceras y su violencia gratuita y su afán de asquearnos hay algo que se parece a la crítica social, debemos abrir los ojos y no permitir que nos tomen por idiotas. Algunas reseñas señalan que Ex Drummer es una comedia de humor muy negro, profunda y despiadada. Tal vez por ese mismo criterio algunos jurados de festivales europeos de cine le han otorgado premios a esta cinta, con ese afán de festejar lo “raro” y lo “estrafalario” que todavía conservan algunos de estos certámenes. Y está bien, para eso son los festivales: una de sus misiones fundamentales es darle relevancia a películas escondidas, que se encuentran en los márgenes de la industria. Pero los jurados también se equivocan, y esta película es la prueba. Porque no hay que ser muy inteligente para darse cuenta cuando comienzan a aparecer los créditos en la pantalla, que la mencionada “crítica” a la sociedad se quedó en un personaje central con aires de superioridad intelectual que al final termina siendo tan imbécil como sus coprotagonistas, en las confesiones finales de los personajes a cámara (cuando ya están muertos, en uno de los baratos giros surrealistas de la trama) y en un festival de rock que pretende descubrir que detrás del rock pesado se esconden algunos inadaptados que entienden la violencia como forma de vida. ¡Ese sí que debe ser un descubrimiento!

Dries, el personaje central, es un escritor famoso que al comienzo de la película parece ser entrevistado para un documental. No pudo pensar otra cosa el guionista (que también es el director, el mismo Koen Mortier) para mostrarnos que el protagonista era una especie de nihilista aburrido, que hacer que en esa entrevista el tipo diga “Me consumen las dudas de la vida y no me preocupa la muerte”. Ya. Esa es su explicación para que el escritor acepte la invitación que le hacen tres extraños que tocan a su puerta, buscándolo para ser el baterista de una banda que quieren conformar. ¿Por qué unos estúpidos a quienes jamás vemos leyendo en la película y que se llaman a ellos mismos “inválidos” van donde un escritor que no lo es a proponerle que sea su compañero? No nos lo cuentan. El razonamiento lógico no parece importarle a Mortier. Su historia es la excusa para que un hombre con dinero y educado, conozca a tres conflictos que caminan: el uno es una especie de skinhead sicópata que gusta de pegarles a las mujeres hasta matarlas (cuya discapacidad según el guión, es que sesea, lo que parece un mal chiste); el segundo es un flaco desgarbado, sordo de un oído, que maltrata a su esposa, pelea en los partidos de fútbol y es incapaz de cuidar a su hijita de brazos; y el tercero es un adolescente tardío, gay, con un brazo dormido desde el día que fue sorprendido masturbándose y que tiene amarrado a su papá en el segundo piso de su casa, con el conocimiento de su madre, una gorda calva que usa peluca y que se acuesta con el skinhead.

Parece que a mitad de filmación a Mortier se le hubiera ocurrido agregarle algo más a la película porque aparece, sacada de la nada, una escena de sexo real en que el escritor se acuesta con su novia y con una amiga de ésta, la hija de un ministro (¡oh, qué fuerte crítica a la sociedad, la hija del ministro de higiene es promiscua y tiene sexo sin protección!) que está haciendo una investigación sobre un tema que se cuela de ahí en adelante en los diálogos y que al final ni siquiera importa para nada. Y también aparece el líder del grupo de rock rival en el próximo concurso al que le dicen Big dick (adivinen por qué), que viola desaforadamente a un muchacho que lo reta en un bar. Hay además una mujer que yace muerta en una bañera llena de sangre, una balacera despiadada provocada por el escritor, algunas puñaladas por la espalda (literalmente) y por supuesto, el concurso de rock, donde el hijo del alcalde (a este Mortier realmente le parece que el asunto con los hijos de los poderosos es sustancioso) pasa en pocos minutos de ser un yuppie correcto a un truhán malhablado. El supuesto análisis a la sociedad es tan sutil como el paso de un elefante por una cristalería.

Lo increíble es que la película está muy bien filmada. La secuencia de apertura para mostrar los créditos y presentar a los protagonistas es realmente creativa (el tiempo va hacia atrás mientras los nombres de los participantes del film aparecen en los objetos de la ciudad), el sexo real se ve erótico (no como en Los idiotas de Lars Von Trier, donde se comprobó que incluso el porno tiene su estética) y algunas imágenes son fascinantes (todos caen a los pies del protagonista, probablemente para mostrar que él es realmente superior que la sociedad en la que vive). Habrá que esperar para saber si Koen Mortier en su segundo largometraje entiende que no valen de nada las imágenes chocantes si detrás no hay alguna idea que las soporte y que aún cuando usemos sangre o mierda para hacer un grafiti, lo importante es la frase que escribimos, porque si no, lo único que se puede percibir del gesto de rebeldía, es el olor al pasar al lado. Y ese es probablemente el peor problema de esta película: el hedor es insoportable.

Shortbus

Sun, 17 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Nicolás Mendoza

(* )

La cultura norteamericana es un poco rara. Hace poco vi un programa en cable en el que mostraban una reproducción del David de Miguel Ángel, y los genitales aparecían pixelados. Cuando se trata de sexo se complican la vida, y Shortbus, la segunda película de John Cameron Mitchell, es una más de esas cosas incomprensibles que la cultura gringa ha parido alrededor de la sexualidad.

La película comienza estrepitosamente con una escena en la que se ven los protagonistas, en sus respectivas viviendas neoyorquinas, entregados a diferentes actividades sexuales: una vehemente pareja explora posiciones acrobáticas, un joven recibe latigazos, y otro más se contorsiona hasta practicarse sexo oral a sí mismo y eyacula en su propia boca. Hasta ahí la cosa pintaba interesante, fuerte, atrevida. Un comienzo así nos llena de preguntas. ¿Quiénes son estos personajes? ¿A dónde va a llevarnos todo esto? ¿Por qué lo hacen? Poco a poco nos vamos dando cuenta, de que sólo hay una respuesta: porque sí. Toda la película es más de eso y nada más que más de eso.

Lo que ocurre es que aunque la película nos muestra a los personajes en todo tipo de posiciones y combinaciones sexuales, sus problemáticas son tan babosas como los fluidos que intercambian, y el interés se pierde de inmediato. El conflicto de la protagonista principal es que nunca ha podido tener un orgasmo. En serio: ese es el gran problema en Shortbus. Todos los personajes son igualmente unidimensionales; el joven que quiere suicidarse porque no ha sido capaz de dejarse penetrar por su novio (o por lo menos eso me pareció entender) o la dominatriz que añora un poco de romance. Con estos “conflictos” tan infinitamente triviales, es imposible no terminar aburriéndose a pesar de que las fuertes escenas sexuales van una tras otra hasta el final. Nunca antes había sido tan poco excitante ver sexo en cine.

En su libro de 1976, La Voluntad de Saber, Michel Foucault propuso la idea de que la proliferación de discursos alrededor del sexo (refiriéndose a terapistas, sexólogos, pornógrafos, etc.) es la más sofisticada forma de represión de la sexualidad individual, llevada a cabo a través de la cultura misma. Esta idea inquietante contradice la noción generalizada de que el gran destape sexual del siglo XX es signo de una sociedad que ha encontrado la libertad. Si todo se ha dicho, si todo está al descubierto, hemos mostrado todas nuestras cartas y nos tienen en sus manos. Tener qué ocultar, en Foucault, es bueno. Hay una escena incómoda en Shortbus, en la que Sofía, la protagonista, entra a una salita donde hay unas cinco mujeres. Les confiesa que nunca ha tenido un orgasmo, y ellas empiezan a relatar por turnos qué se siente. “Yo siento que por un instante dejo de estar sola” dice una, “Es como si pasara por tu ser toda la energía del planeta”, dice la siguiente. Este mismo discurso ingenuo atraviesa la película de arriba a abajo. John Cameron Mitchell parece creer que escucharlo (y verlo) es la manera de abrirle a los espectadores las puertas de una libertad que no conocen. No leyó a Foucault. Es lo contrario; aburre, incomoda, y nos recuerda lo estética que es la discreción, el delicado placer del silencio.

Sin embargo, en mi opinión, todo lo anterior es poco al lado de lo pretenciosa que es la película. Todo en Shortbus es “artístico” en el sentido más indignante de la palabra. La dominatriz sadomasoquista anda con una cámara polaroid, y toma fotografías callejeras que interviene con un lápiz antes de que se terminen de desarrollar. ¿Por qué? Porque eso es “artístico”. El gay depresivo que está haciendo una “película” sobre si mismo intenta suicidarse ante su videocámara. ¿Por qué? Porque eso es “artístico”. Alguien eyacula sobre una pintura de Jackson Pollock y el semen se mimetiza en el cuadro lleno de pintura chorreada. ¿Por qué? Porque eso es “artístico”. El vestuario, la música, los diálogos… todo es así, “artístico”. El tedio se convierte en rabia ante la maldad subyacente de una película que en últimas lo que hace es desinformar al público, reforzando la idea venenosa de que el arte no es sino un adorno que sirve bien para poner aquí y allí cuando se quiere disimular que las cosas están mal hechas.

Hace poco leí a alguno de los colaboradores de Arcadia animando a sus lectores a ir a ver la película que estaba reseñando. Yo voy a recomendar a quienes leen esto que no vean Shortbus, no vale la pena porque es aburrida, tonta, pretenciosa y de mal gusto.

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Reseña publicada originalmente en Revista Arcadia

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nicolasmendo@gmail.com

4 meses, 3 semanas y 2 días

Sat, 16 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Jorge Mario Sánchez

(* * * * )

Al ver 4 meses, 3 semanas y 2 días hay en nosotros una sensación de excesiva normalidad, de que lo que se nos muestra ocurre todos los días, en cualquier parte del mundo. Somos espectadores “ideales” de los hechos, estamos presentes en medio de la acción, atentos a cada gesto de los personajes, a ciertos detalles que nos revelan sus conflictos internos. Nuestra mirada recorre con familiaridad los espacios donde ellos se desenvuelven. Nos encontramos ahí como si estuviéramos viviendo el mismo drama de Otilia y Gabita, como si las conociéramos desde siempre, como si nos importaran. Y vaya si el filme logra que nos importen.

Asistimos, sobre todo, a una tragedia, y al avanzar la película nos vamos dando cuenta de ello. Es una tragedia que nos duele porque nos preocupamos por ellas, por Otilia y por Gabita, y nos duele tener que recorrer con ellas ese vía crucis. Gabita va a practicarse un aborto ilegal en la Rumania comunista, pero ella es tan pasiva y frágil que tiene que ser Otilia, su compañera de habitación, quien organice todo. Y a pesar del entusiasmo y la recursividad de Otilia las cosas parecen siempre a punto de salir mal: todo es sospecha y paranoia en ese régimen opresivo (los cigarrillos, por ejemplo, sólo se consiguen en el mercado negro, y prácticamente para todo hay que presentar el carnet de identidad). Siempre estamos, junto a ellas, al borde del abismo, esperando lo peor pero rogando que todo salga bien.

Y será Otilia quien, con su sacrificio y su evidente amor por Gabita, sea testigo, en menos de veinticuatro horas, de su propia transformación. Son este tipo de accidentes, de eventos desafortunados (un embarazo no deseado, por ejemplo, o una frase dicha a destiempo), los que cambian radicalmente nuestras vidas y nos hacen entender la fragilidad de todo lo que nos rodea, de la existencia que llevamos, de nuestros sueños, de nuestras relaciones sentimentales. El peligro acecha siempre. Justo cuando nos sentimos más seguros algo inesperado ocurre, algo que nos transforma y hace que veamos el mundo con otros ojos, y no tenemos otra opción que seguir adelante.

La película está construida con planos muy largos, generalmente en espacios cerrados (por ejemplo, la habitación de hotel donde se va a practicar el aborto), con una cámara que nos va revelando y ocultando a un tiempo información, como si algunas veces nos adentráramos en la personalidad de Otilia escrutando su rostro, y otras veces prefiriéramos no ver lo que ocurre y no involucrarnos demasiado en la intimidad de esas personas (sin embargo, estamos tan cerca que oímos o intuimos aquello que no vemos). La tensión, que es constante durante todo el metraje, se logra con la meditada construcción de las escenas y las excelentes actuaciones, sobre todo de la protagonista, Anamaria Marinca (Otilia). No hay banda sonora, lo que acentúa la inmediatez de lo que observamos; las escenas nos involucran sin necesidad de efectismos.

La película, además, evita una posición política o ideológica definitiva en su discurso, y todo juicio moral dependerá de nosotros, los espectadores. Pero para ello necesitamos ver ciertas cosas, así no queramos. Por ejemplo, poco antes del final nos enfrentamos a una toma larga y dolorosa de algo en el piso del baño, y esta imagen y el diálogo que sigue nos hacen cuestionar nuestro juicio previo sobra la decisión tomada por Gabita y Otilia. Era necesario, sin duda, ¿pero a qué costo? Esta escena hace que la película adquiera una dimensión mucho más profunda, y que nos plantee incluso preguntas del tipo: ¿dónde está la vida, en qué consiste?; ¿qué carajos somos en verdad?

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El caballero de la noche

Thu, 14 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Nicolás Mendoza

(* * * * )

En un artículo reciente del Wall Street Journal, Andrew Kavlan compara a Batman con George W. Bush. El argumento es que ambos terminaron corroyendo sus principios de justicia por recurrir a métodos parecidos a los de sus enemigos. La eterna “duda” sobre el fin y los medios; una pregunta moral que atraviesa toda la película, y que está resumida (desde un ángulo pragmático) en una frase premonitoria: “Se puede morir como un héroe o vivir lo suficiente para verse a sí mismo convertido en un villano”. Notar que es precisamente la misma advertencia se le hace a nuestro presidente desde hace años resulta sorprendente: ¿No estábamos viendo Batman, un película sobre un tipo que vive en una ciudad ficticia y se disfraza de murciélago para combatir el mal?

La jugada maestra es extirpar Ciudad Gótica del universo de lo fantástico para transplantarla en nuestro universo real, año 2008. La Ciudad Gótica de El Caballero de la Noche existe en algún lugar de Estados Unidos, con todas las contradicciones propias de la realidad actual. Seguramente hay vuelo Ciudad Gótica – Bogotá, de unas ocho horas (si Batman puede viajar a Hong Kong, ¿Por qué no a Suramérica?). El cambio de escenario, por supuesto, va más allá de lo cosmético: los personajes, sus conflictos, sus soluciones, todos son reales, creíbles, y universales. El director, Christopher Nolan, nos da algunas claves de su método en una entrevista: “Si quieres enfrentarte a Ciudad Gótica (como director), querrás darle peso y envergadura y profundidad. De manera que terminas tratando con sus figuras políticas, sus figuras mediáticas. Son parte del gran tejido que hilvana una ciudad”. El siguiente paso, que la película trascienda y sea universal es casi inevitable si se es riguroso y se escucha lo que esta nueva Ciudad Gótica murmulla.

Si uno de los ejes de El Caballero de la Noche es la ética de la institucionalidad, el otro es la naturaleza de la demencia. La demencia como manera de entender el universo, como modo de vida. Al Guasón le gusta sustentar su posición: “Mira, nadie entra en pánico cuando las cosas van según el plan. Incluso si el plan es horripilante”. Desestabilizar “el plan” es fundamental cuando el valor supremo es el caos: “¡La única manera sensata de vivir en este mundo es sin reglas!” y sigue: “Soy un agente del caos. ¿Sabes cuál es la cosa con el caos? Que es justo…” Su coherencia en la demencia es perturbadora: “¿Parezco un hombre con un plan? Yo no tengo un plan. ¿Sabes qué soy? Soy un perro persiguiendo carros. No sabría que hacer si atrapara uno. Yo tan sólo hago cosas”. Cuando consigue la montaña de dólares que ha buscado durante toda la historia lo primero que hace es quemarla “Soy un hombre de gustos simples. ¡Me gusta la pólvora… y la dinamita… y la gasolina!”. La inestabilidad es la única norma. Hasta el pasado es inestable, durante la película cuenta la historia de sus cicatrices tres veces y las tres veces la historia es diferente. El maquillaje de nuestro Guasón, inspirado en los Papas desquiciados que pintaba Francis Bacon, es la materialización de su visceral lucha por el caos como la única estética posible.

Si el conflicto de Batman con sus principios parecía universal y trascendente, el viaje del Guasón es casi religioso. Nietzche tituló uno de sus aforismos “Dioniso Contra el Crucifijo” proponiendo algo de mayor vitalidad (lo dionisíaco) como única vía para superar (y no para resolver) los pequeños dilemas de la moral judeocristiana. Es lo que ocurre en El Caballero de la Noche, el Guasón se roba el show porque tiene algo mucho más importante, algo mucho más vital, que decirnos.

El Guasón de Heath Ledger quedará para siempre como uno de los personajes más memorables del cine pero la verdadera estrella de éste Batman versión 2008 es su director Christopher Nolan, que es a quien debemos agradecerle por ésta joya. Su éxito emana de un compromiso sin atenuantes: “Si las personas que están haciendo la película no la están tomando en serio” dijo “¿por qué lo van a hacer los espectadores?”. Como la tomó muy en serio, tiene en sus manos una de las mejores películas que ha dado Hollywood en los últimos años, y seguramente la mejor del 2008.

“…. lo que no te mata te hace más extraño”
El Guasón, 2008

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Reseña publicada originalmente en Revista Arcadia No. 35

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El caballero de la noche

Wed, 13 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Pablo Muñoz

(* * )

En Mayo de 1939 se publicaba el número 27 de Detective Cómics anunciando 64 páginas de acción y aventura e introduciendo al asombroso y único Batman. La historia presentba a Bruce Wayne como un millonario aburrido y ocioso, amigo del comisario Gordon que investigando la muerte de un empresario se topaba con Batman, superhéroe que salvaba el día encontrando al asesino. Al final de la historia el lector descubría que el aburrido Wayne era en realidad Batman.

En 1989 Tim Burton aunó en su Batman la tradición y cierto misterio de este primer número con los tebeos más influyentes de la época como The Killing Joke o The Dark Knight Returns. Lo hizo de forma fallida pero su fascinante Gotham City y su Batman, de traje oscurísimo se ajustaba perfectamente a su época. El resultado hubiera sido aún más memorable si Burton no hubiera evidenciado tempranos problemas de ritmo, de planificación en las escenas de acción con un fantástico batmóvil y un guión mediocre de Sam Hamm y Warren Skaaren que hacía del contraste Batman/Joker una historia de venganza justiciera simple y sin demasiada acción. El éxito fue atronador, todavía uno de los más rentables y espectaculares de los últimos años. Burton dejó de explorar a su héroe para hacer una secuela personalísima, radical y extravagante. Del legado de Schumacher ya hemos hablado.

Alejado del Canon y cercano al espíritu Marvel de los What If, los Otros Mundos (en inglés Elseworlds) son las historias que transcurren fueran de la continuidad oficial. Cada adaptación cinematográfica de Batman vive en una agónica contradicción: pese al deseo mayoritario de establecer un canon, sus referencias provienen siempre de aportaciones fuera del canon y los resultados terminan también siendo distintos. En el marco de estos Elseworlds se han parido las historias más interesantes del murciélago todas ellas abordando su primera aparición y su mitología posterior de una forma rica, elegante y sabrosa.

Tanto Batman: Gotham Noir (2001) como Batman: Nine Lives (2002) adquieren los modos del cine negro acentuados. En el primero Batman recobra su dimensión mitológica gracias al protagonismo acentuado de James Gordon, con lo que Brubaker ciñe su atmósfera no sólo a Chandler y Hawks sino también a lo insinuado por Miller en Año Uno. Sin embargo la clave de una película como The Dark Knight (2008, Christopher Nolan) está en Batman: Nine Lives uno de los tebeos más sugerentes de los últimos años en el batuniverso.

La historia de Nine Lives gira en torno al asesinato de Selina Kyle, aquí prostituta de color y en como Batman lo investiga, convirtiendo su galería de supervillanos en arquetipos de puro cine negro: Joker es un apostador y Dent se mantiene como un fiscal, de visos más corruptos y hammetianos.

The Dark Knight está en plena sintonía con Nine Lives en su intención de llevar hasta las últimas consecuencias, pero sin renunciar a Batman y su disfraz, al personaje al cine negro. Comparten ambas escenas de Bruce Wayne en un yate, aparentemente aristocrático y frívolo, una estampa que en el tebeo se intuye fitzgeraldiana (por su caracterización también) y que en la película resulta también conciliadora con cierta parte del Canon. Para su caracterización del Joker Ledger ha intentado transmitir algo del hororr que Conrad Veindt inspiró a Kane pero la película lo lleva a su mejor versión, la de O’Neill y Adams, autores que curiosamente ya llevaron más al terreno de la crime fiction a Batman.

Nolan, conviene aclarar, no ha hecho una película definitiva de Batman. Así como Iron Man (2008, Jon Favreau) establece un logro indudable al incorporar con sumo mimo todo el dramatis personae de su universo hacia un mundo más actual sin que la fuente se vea demasiado mermada, Nolan ha apostado por un Elseworlds totalmente, distinto inclusive a Batman Begins (2005), su primer acercamiento. Pero no es Tony Stark un icono tan gozosamente mutante como Batman.

En Begins la Gotham pese a inspirar más realismo todavía conservaba un barroquismo que aquí ha desaparecido. También han desparecido la dirección vulgar, el uso del montaje como forma de solapar carencias dramaturgicas y, peor, como detonador de momentos emotivos. Hay defectos, entre ellos la partitura de Zimmer y Newton Howard que es absolutamente igual a la del film anterior, rimbombante y que hace echar de menos a Elfman. También es muy discutible el uso de Dos Caras y su tratamiento. Tanto Nolan como Eckhart estan terriblemente cómodos haciéndolo fiscal, mostrnado su ambigüedad y anunciando el consabido cambio. Pero Dos Caras al simbolizar el fracaso de Batman deja de ser el oscuro y terrible psicopata que siempre fue y sus apariciones son tan atropelladas como el clímax de la película.

Sin embargo hay en El Caballero Ouscro lo que los anglosajones llaman cool shots. Planos molones. Panorámicas envolventes. Bellos travellings aéreos con Bamtan observando la ciudad. El Joker saliendo del banco ¡en un autobús escolar que irrumpe y destroza la entrada! Y pese a ser una película nada sutil The Dark Knight, si y al fin, funciona como western atropellado y como heterodoxa película de superhéroes. Es cafre, en sus formas y en sus fondos. Es salvaje, sucia y deja la puerta abierta para una tercera entrega que ya no necesita a Nolan, sino a un director mejor todavía que recobre toda la dimensión mitológica que un personaje como Batman anuncia tener ya en su final.

WALL-E

Mon, 11 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Pablo Muñoz

(* * * * )

Después de confirmar a Brad Bird como fino estilista a prueba de bombas, Pixar regala otra obra a la altura de la filmografía del inteligentísimo Bird: una fábula espacial que pasando por el apocalipsis, regala una auténtica y genuina love story.

Hay una escena clave en el asunto, aquella en la que Wall-E ve fascinado como tesoro analógico el romanticismo de Hello Dolly. La película asume alucinada que los espectáculos llenos de inventiva visual de Snub Pollard, Chaplin o Keaton pueden ser igualados tras el impresionante avance y despliegue de toda la animación digital.

También Lumiere que centró su cine pionero en el Viaje a la Luna puede venir a muchos en la escena del romántico baile tras las estrellas: una suerte de imaginación, tierna y sideral, que parece hablar en clave robótica de ese principio tan humano que es la universalidad.

Los climas

Sat, 02 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Federico Torres

(* * * ½)

Uno de los placeres de ver esta película es apreciar, de manera tan lograda, la afinidad entre técnica cinematográfica y literaria. Con el nacimiento de la novela tal como la entendemos actualmente desde Madame Bovary, el autor -según Vargas Llosa-, puede tomar distancia respecto a sus personajes. No es necesaria la identificación, ni mucho menos la proyección entre escritor y narrador. Esta verdad, enseñada por la crítica literaria, es válida también para el cine. De éste esperamos que sea capaz, a través de la mirada de la que nos hacemos partícipes, de mostrarnos una historia o un personaje que nos seduzca. No es el caso de esta película.
Desde el momento que Isa decide terminar con su novia, Bahar, tema con el que abre la película, ésta nos muestra un tema recurrente: Los diversos estados de ánimo de Isa que, finalmente, lo llevan a intentar un fracasado reencuentro.
Es evidente para el espectador que estos personajes no pueden atraer, ni ser el sostén de cualquier película. Sus vidas están demasiado desprovistas de encanto, de sentido, de contenido. La trama tampoco es el motor de la película. Casi desde el comienzo sabemos que no tendremos como premio el vulgar suspense.
Pero la distancia con la que el director retrata sus insulsos destinos es maravillosa. No toma partido por ninguno de sus personajes, no hace juicios morales. Está decidido a no ser partícipe de su mediocridad. Está muy lejos de lo que puede ser una película como “Flores rotas”. John Berger alguna vez dijo que le molestaba la preciosidad con que Sebastiao Salgado fotografiaba el hambre y el dolor. En este caso el director, fuera de las controversias morales sobre qué es o no el arte, nos ofrece una película que se puede ver como la re-creación poética de lo patético.

WALL-E

Fri, 01 Aug 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Nicolás Mendoza

(* * * ½)

Las películas de Pixar Animation Studios son invariablemente sorprendentes. Desde Toy Story (su primer largometraje, y el primero en el mundo realizado completamente en animación 3D) hasta WALL-E, el estudio ha mantenido un alto nivel en todas sus películas. Pixar se ha caracterizado siempre por su impresionante animación, pero también por el sentido del humor, los personajes entrañables y las historias bien contadas. Historias para niños, bien contadas.

¿Historias para niños? ¿Cuáles son, y qué significa que sean bien contadas? Creo que la definición de “historias para niños” debe ser: son aquellas historias que le entusiasman al niño que llevamos dentro, sin importar la edad que tengamos. Una definición que sólo funciona a posteriori, y que es la única que puedo construir desde mi edad. Contarlas bien es nunca subestimar a dicho niño interior. Es irritante ver a un adulto hablándole a un niño como si fuera bobo y cuando una película “para niños” lo hace, es algo insoportable. Hay que salirse.

Con lo anterior en mente, se puede decir que la experiencia de ver WALL-E es algo así como leerle un libro de Stephen Hawking al niño interior. La primera mitad de la película, llena de una magia sobrecogedora, pasa prácticamente en silencio. El único diálogo que escuchamos es una brevísima conversación en la que dos robots se dicen el nombre. Algo extraño ha ocurrido porque vemos una ciudad en la cual conviven rascacielos convencionales de concreto, con otros (extraños, amorfos, preocupantes) hechos con basura. La desolación, sumada a la intuición de que ha pasado una cantidad grotesca de tiempo desde la última vez que un humano pisó esa ciudad, establecen el clima nostálgico que habrá de permear toda la historia.

Sin prisa, se nos va dando a saber lo que ocurrió allí. Es una historia que es a la vez íntima y épica. Son imágenes de gran fluidez y de una factura impecable: nos olvidamos incluso de que es animación, porque si a algo se parece es a un sueño. Hay algo de Kubrik en todo esto, más allá de las evidentes referencias al rebelde computador HAL 9000 o al Así Hablaba Zarathustra (de 2001: Odisea del Espacio), hay una cierta belleza de las cosas terribles que sólo Stanley me había hecho vivir en el pasado. ¿Ésta es una película para niños?

Tal vez para compensar, la segunda mitad de WALL-E busca terrenos más convencionales. Hay una historia de amor un poco incómoda, difícil de creer (la ciencia ficción exige plausibilidad científica al fin y al cabo), una persecución demasiado larga, y un final lleno de cabos sueltos. En todo caso, el talento de Pixar es lo suficientemente grande como para que los peores momentos de la película no sean del todo malos. Es sólo que se empieza en un nivel despiadadamente alto, que se añora con facilidad, porque cuando WALL-E se toma a sí misma lo suficientemente en serio no hay nadie en el teatro que quiera tener más de 11 años.

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Reseña publicada originalmente en Revista Arcadia

http://www.revistaarcadia.com

nicolasmendo@gmail.com

Definitivamente, quizás

Wed, 30 Jul 2008 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * ½)

A veces se llega a un punto de la vida y no sabemos cómo. Es como si esos que fuimos en el pasado ya no fuéramos nosotros y los recuerdos que tenemos se refirieran a otras personas: personas que se perdieron en alguna parte del camino. Uno de esos momentos es el que está viviendo Will Hayes, ahora que le han traído a su oficina los papeles de divorcio. Para no sentir mucho desespero decide salir a la calle a recoger a su hija en el colegio y mientras lo hace, buscar la canción perfecta para ese instante. Desde esa secuencia de apertura, donde la narración se adapta al ritmo de la canción (la pantalla se parte y se cuadricula, con unas ventanas que se adaptan a lo que quieren mostrar) y la película empieza a mostrarnos postales de New York que casi nunca vemos (los detalles que percibe el protagonista en su caminata) nos damos cuenta de que estamos ante un drama romántico distinto, uno que se preocupará por ofrecer algo más de lo acostumbrado. Y la impresión no nos engaña, pues cuando WIll recoge a su hija para pasar el fin de semana juntos y hay una gran conmoción en la escuela porque los niños tuvieron su primera clase de educación sexual y andan diciendo las palabras “pene” y “vagina”” en voz alta, como posesos, sabemos que al menos no todo será tan correcto ni tan predecible como siempre. No tanto, al menos.

La hija del protagonista, Maya (la misma Abigail Breslin de Little Miss Sunshine que sigue demostrando que los niños en las películas pueden ser tiernos con credibilidad y sin esa falsa pose afectada a la que nos había acostumbrado Dakota Fanning), traumatizada por el tema de la clase y con la esperanza de que su papá se reconcilie con su mamá, le propone que le cuente cómo se enamoró de ella. Y él, reflexivo como está, decide aprovechar la situación para relatar a su hija y volver a recordar mientras lo hace, la historia de su juventud donde aparecen las tres mujeres más importantes de su vida, entre las cuales está la mamá de la niña. El problema es que Maya deberá descubrir cuál de las tres mujeres es su madre pues Will les va a cambiar el nombre en el relato.

A partir de este momento, con un guión de diálogos entretenidos e inteligentes y una excusa argumental novedosa, tenemos la oportunidad de conocer las andanzas sentimentales del protagonista masculino que lleva el peso de la historia sobre sus hombros. Ese ya es un cambio que se agradece, pues en los últimos años (con Legalmente rubia, con Bridget Jones con Sex and the city) parecía que la sensibilidad masculina (que existe, aunque no parezca) había dejado de ser interesante en las comedias y dramas románticos. Y a pesar de que Ryan Reynolds, quien encarna a ese papá confundido y treintañero, sea el principal error del casting (su inexpresividad es tal que apenas notamos la diferencia entre enojo y alegría en su rostro), el papel está tan bien escrito (Adam Brooks, el guionista y director de esta historia es también el autor del guión de French kiss, Wimbledon y Bridget Jones: the edge of reason) que uno continúa viendo la película a pesar incluso de ese defecto mayúsculo: la historia nos gusta, porque todos hemos tenido lo que tiene Will: un primer noviazgo inocente que nunca se concreta, o que se vuelve importante muchos años después; un deslumbramiento repentino y apasionado con alguien con quien jamás nos hubiéramos imaginado y una amiga o un amigo que han estado todo el tiempo a nuestro lado, y que tal vez hubiera podido ser nuestra alma gemela si hubiéramos abierto un poco más los ojos.

La narración se hace ágil y divertida, sobre todo por las interrupciones en el relato que hace desde el presente de la historia la pobre Maya, confundida: “¿qué es un menage a trois?, pregunta cuando alguien menciona la expresión, o se asombra cuando su papá le confiesa sin querer que fumaba en su juventud. Junto a ella acompañamos a Will en su llegada a New York, la gran ciudad, con todo el conocimiento del pueblerino inteligente decidido a tragarse el mundo y enfrentado a una urbe donde no es nadie. Lo vemos llamar a su novia en el pueblo para prometerle que la esperará y hasta comprar un anillo de compromiso. Pero también lo vemos coquetear, casi sin querer, con una joven que a diferencia suya, hace rato que no cree en los políticos, que lo critica todo el tiempo por su trabajo voluntario en la campaña a la presidencia de Bill Clinton, la razón por la que Will ha ido a New York. Una joven que le fascina de una forma muy distinta, que le enseña cosas (le hace escuchar al grupo del momento, Nirvana) y que se convertirá en su gran amiga.

Pero hay más buenas situaciones en la historia. Emily, su novia, le ha encomendado a Will llevarle un libro a una joven que conoció hace mucho. Él no aguanta la curiosidad, y al romper el paquete se da cuenta de que el encargo es un diario en el que la mujer a quien se lo debe entregar confiesa que se acostó con Emily. Esta mujer, Summer, estudiante de literatura, periodista en ciernes y amante de un escritor liberal encarnado maravillosamente por Kevin Kline, lo fascinará a tal punto de que nuevamente piensa en casarse. Uno de los mejores momentos de la película, que muestran originalidad, es precisamente su salida con Summer, en la que ella comienza a tararear una canción (I’ve got a crush on you, de George Gershwin, un clásico de New York), la canción se convierte en banda sonora que recrea los momentos futuros de la relación, y luego volvemos al punto de partida, con la hermosa Rachel Weisz cantándola frente a Will y frente a nosotros. Ojalá hubiera más ideas así en las comedias norteamericanas.

Luego veremos los errores profesionales de Will, su depresión de los treinta (además de su decepción frente a Clinton), su angustia ante la adultez y su reencuentro paulatino con las tres mujeres de su vida. Maya descubrirá quién es su mamá (por un gesto visual, lo que muestra lo detallista del guión y de la dirección) pero también quién es la mujer perfecta para su papá, aunque no sean necesariamente la misma persona. Y entonces, como el buen drama romántico que es, original dentro del esquema clásico, con pequeñas ideas maravillosas que lo distinguen de la media, Definitely maybe desemboca en el reencuentro de los amantes postergados. En esta ocasión, a diferencia de lo que ocurre con muchas otras historias comerciales, uno siente que hay algo de verdad en el relato: no siempre acertamos a la primera, ni a la segunda; a veces el amor se acaba y los hijos nacen de matrimonios imperfectos. Pero siempre guardamos la esperanza de ese final feliz que todos nos merecemos. Incluso Ryan Reynolds.